con Ricky Tognazzi e Simona Izzo 

Cosa accade quando le luci della ribalta si abbassano e gli artisti scelgono di sfilarsi la maschera?

Inside Castel Guelfo nasce dal desiderio di scoprire la verità di chi ha fatto del talento la propria vita, portando in scena l’appuntamento dedicato a La storia dei Tognizzo. Simona Izzo e Ricky Tognazzi accettano l’invito a spogliarsi di ogni formalismo per mostrare le fragilità e gli aneddoti che solitamente restano confinati dietro le quinte di una dinastia che ha segnato il cinema. È un percorso che esplora l’umanità di una coppia iconica, osservandola mentre si muove tra ricordi personali e riflessioni improvvisate, senza il filtro di un copione già scritto.

Luca Guardabascio agisce come un arbitro discreto, favorendo una dinamica in cui il pubblico può finalmente guardare negli occhi chi è abituato a vedere attraverso uno schermo. La curiosità diventa la chiave per entrare in contatto con le radici di una famiglia d’arte, dove il racconto del vissuto quotidiano svela pezzi di una storia condivisa da intere generazioni. In questo spazio di libertà, l’interazione permette alla platea di connettersi con il lato più profondo del mestiere dell’attore, scoprendo che dietro ogni grande interpretazione batte un cuore vulnerabile e straordinariamente vicino.

Ogni parola pronunciata sul palco diventa così un esercizio di verità e un ponte verso chi ascolta.

con la SuperMaxBand
Fabio Di Cocco Pianoforte
Pino Soffredini Chitarre
Fabrizio Fasella Basso
Daniele Natrella Batteria

Tutto cambia, anche la comicità, e “Bollicine – updatE” rappresenta esattamente questo salto di qualità. Max Giusti torna in scena con una consapevolezza diversa, quella di un artista che ha imparato a usare l’ironia come una lente d’ingrandimento per leggere la vita. Questa versione arricchita dello spettacolo mette a nudo la sua maturità, mescolando una verve travolgente a momenti di pura introspezione.

L’energia è quella delle grandi occasioni, scandita dal ritmo della SuperMaxBand. Tra le note di Di Cocco, Soffredini, Fasella e Natrella, Giusti riaccende i riflettori sui suoi cavalli di battaglia: le maschere di Borghese, De Laurentiis e Pardo riemergono con una forza rinnovata, figlie di un talento trasformista che sa ancora come spiazzare il pubblico.

Il fulcro del racconto si sposta però verso una dimensione più privata. Giusti sceglie di scendere dal piedistallo dell’intrattenimento puro per condividere aneddoti personali e riflessioni autentiche, affrontando anche le verità più scomode con quel tocco di leggerezza che lo contraddistingue da sempre.

Firmato da Giusti, Rinaldi e Terenzi per LEA Production, lo show si evolve in un’esperienza corale. È un incontro ravvicinato in cui musica e parola si fondono, trasformando il teatro in un luogo di festa e condivisione dove la risata diventa il ponte tra l’artista e il vissuto di chi lo ascolta.

Esiste una musica che non abita nei musei, ma vive nel respiro e nelle mani di chi la suona ogni giorno. È il racconto della Scuola di Musica Popolare di Forlimpopoli, che dal 1986 trasforma le tradizioni in un atto di libertà e di appartenenza. Festeggiare quarant’anni di storia significa oggi guardare alle proprie memorie per spiccare un volo nuovo: l’Orchestrona, diretta dal Maestro Davide Castiglia, è l’anima pulsante di questo cammino.

Oltre venti musicisti sul palco danno vita a un’architettura sonora dove ogni violino, organetto e chitarra contribuisce a una narrazione corale: si parte dai passi antichi del liscio romagnolo e dei balli staccati per esplorare le rotte del bal folk europeo e i profumi del Mediterraneo; la melodia diventa aggregazione e la danza si fa resistenza contro l’omologazione del tempo.

Partecipare a questo incontro non è solo ascoltare un concerto, ma immergersi in una festa condivisa dove la musica popolare si scopre profondamente attuale, moderna e necessaria.

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Nata in seno alla Scuola di Musica Popolare di Forlimpopoli — istituzione fondata nel 1986 e divenuta nel tempo uno dei poli più autorevoli in Italia per lo studio delle musiche di tradizione — l’Orchestrona è un progetto unico nel suo genere, una vera e propria “big band” acustica, trasforma la musica popolare in un’esperienza sinfonica e travolgente. Con decine di concerti in Italia e all’estero, l’Orchestrona ha dimostrato come la musica tradizionale possa essere moderna, inclusiva e profondamente attuale. In quarant’anni di storia, la Scuola ha formato generazioni di musicisti, mantenendo viva la funzione sociale della musica come strumento di aggregazione e resistenza culturale.

con
Gionata Costa Violoncello
Massimo Marches Chitarra e voce

C’è un modo magico per accogliere il nuovo giorno: lasciarsi cullare dalla musica mentre il sole sorge sulla Rocca di Bertinoro. All’interno della rassegna “Ci vediamo all’alba”, l’appuntamento è con i Miscellanea Beat, il duo che dal 2011 trasforma il pop in un’esperienza sonora imprevedibile.

Formato da Gionata Costa (violoncellista e co-fondatore dei Quintorigo) e Massimo Marches (chitarrista, cantante e produttore), il progetto nasce dalla voglia di decostruire e ricostruire i grandi repertori. Dopo i successi dedicati ai Beatles e ai leggendari anni Ottanta, il duo presenta “Raccolta Indifferenziata”. In questo nuovo capitolo, la lente d’ingrandimento si sposta sul patrimonio italiano: un viaggio che parte dai giganti del cantautorato anni ’70 per arrivare alle hit pop più recenti, includendo – per la prima volta – anche brani originali firmati dal duo.

Dimenticate la classica atmosfera “unplugged”: nonostante la line-up essenziale, il sound è ricco e stratificato. Grazie a una sofisticata ricerca timbrica, effetti e campionamenti, i Miscellanea Beat creano un’architettura sonora moderna e personale, capace di avvolgere il pubblico in una performance live di grande impatto. Un risveglio per le orecchie e per l’anima, dove la tradizione italiana incontra l’innovazione, nel silenzio suggestivo delle prime luci del mattino.

Con Marta Celli

L’alba alla Rocca di Bertinoro si accende con le sonorità cristalline di Marta Celli, protagonista del prossimo appuntamento della rassegna “Ci vediamo all’alba”. Con il suo spettacolo “Canti d’Oltremare”, l’arpista invita il pubblico a un viaggio sensoriale guidato dall’elemento dell’Acqua, in perfetta simbiosi con i riflessi dorati del primo sole.

Attraverso l’arpa celtica, Marta Celli tesse una trama che unisce le coste d’Europa, dalle nebbiose terre del Nord al calore del Mediterraneo. Il suono dello strumento, al tempo stesso dolce e potente, trasforma la Rocca in un angolo di poesia senza tempo. Al centro della sua ricerca artistica c’è la filosofia del “guarire-suonando”, un approccio che infonde passione in ogni nota, creando un’atmosfera catartica e avvolgente.

Pittrice e musicista forlivese di base a Faenza, Marta vanta una carriera eclettica: dal folk dei Folafulanta e del duo Alarc’h alle influenze orientali nate dalla collaborazione con il compositore turco Ozgur Karagunes. La sua ricca produzione discografica, che include lavori solisti come il recente “Kairós”, riflette un percorso che abbraccia jazz, folk e cantautorato. Un’occasione imperdibile per vivere un risveglio dello spirito in armonia con la natura e la bellezza eterna della musica.

Liberamente tratto dal capolavoro di Pier Paolo Pasolini
Una produzione Pierfrancesco Pisani per Infinito e Argot Produzioni
In coproduzione con Fondazione Teatro della Toscana

Elio Germano e Teho Teardo portano in scena Il sogno di una cosa di Pier Paolo Pasolini in una versione di parole e musica.

Tre ragazzi friulani alla soglia dei vent’anni vivono la loro breve giovinezza affrontando il mondo: l’indigenza delle origini in campagna, l’emigrazione, le lotte politiche, fino all’integrazione nella società borghese del boom economico. Desiderano la felicità, la bella vita in un paese straniero, maturano una coscienza politica e sognano la rivoluzione, per poi piegarsi ai compromessi dell’età adulta. Fino a morire di lavoro.

Pasolini ci parla con le voci delle persone che dall’Italia del secondo dopoguerra, stremate dalla povertà, sono scappate attraversando illegalmente il confine per andare in Jugoslavia, attratte dal comunismo e con la speranza di trovare un lavoro dignitoso e cibo per tutti.

Con lo sguardo di oggi è una specie di rotta balcanica al contrario che attraversa il medesimo confine che attualmente i profughi in fuga percorrono per venire in Italia.

Forse lo abbiamo dimenticato, ma c’è stato un momento, non molto tempo fa, in cui eravamo noi a ricorrere ai passeur.

L’evento rientra all’interno del cartellone della 100° Festa dell’Ospitalità del Comune di Bertinoro, la cui programmazione artistica è curata da Roberto De Lellis.

di Paola Berselli e Stefano Pasquini
con Paola Berselli, Maurizio Ferraresi e Stefano Pasquini

Una camminata e una serata all’insegna della poesia per riscoprire la città, e la sua comunità, attraverso passi e parole. Il poeta Franco Arminio e un esperto del territorio guideranno un percorso itinerante tra strade e storie, unendo la conoscenza dei luoghi alla forza della parola. Un invito a osservare il paesaggio con occhi nuovi e attenti e a soffermarsi sul significato profondo delle parole che ci circondano.

h. 20:00 – Rocca di Bertinoro
Passeggiata poetica “La cura dello sguardo“
Percorrendo l’Italia palmo a palmo, nella sua paziente auscultazione del mondo, già da tempo Franco Arminio ha registrato ovunque la crisi della dimensione comunitaria.
Il poeta ci offre le sue parole come fiaccole per illuminare il presente e ci porta la sua testimonianza, tra visioni e orazioni civili, che pongono domande e chiedono risposte con vibrante ostinazione. La lingua poetica si fa strumento di conoscenza, alla ricerca di una comunicazione, di un senso condiviso, di quella intima vicinanza della quale abbiamo tutti più che mai bisogno.
La passeggiata inizierà alla Rocca di Bertinoro e terminerà in Piazza della Libertà. Durata: 45 minuti circa.

h. 20:45 – Piazza della Libertà
La grazia della fragilità – Incontro con Franco Arminio
Un viaggio nelle nostre fragilità, per federarle e farne una forza quieta, una serena obiezione alle arroganze e alle sciatterie del nostro tempo.
Franco Arminio legge i versi in cui racconta le sue fragilità più intime e quelle dei luoghi che attraversa, un intreccio tra il dentro e il fuori, tra la malinconia e l’ardore, che è anche un modo di usare la poesia non come ingegneria della lingua, ma come lievito di una nuova vita comunitaria. Una vita lieta e pensosa in un tempo in cui ci stiamo ammalando e in cui stiamo guarendo.
La poesia non ci salva, ma ci aiuta a riconoscere che cadere, a volte, è l’unico modo per tornare in piedi.

di Paola Berselli e Stefano Pasquini
con Paola Berselli, Maurizio Ferraresi e Stefano Pasquini

Sì, al Teatro da mangiare? si mangia davvero, si mangiano le cose che facciamo dal 1989, da quando è cominciata la nostra vita di contadini.

Si mangiano le cose che coltiviamo e trasformiamo nella nostra azienda agricola, che tiriamo fuori dalla nostra terra. Seduti attorno a un tavolo, preparando e consumando un vero pasto, raccontiamo a modo nostro la nostra singolare esperienza di contadini-attori, di vita in campagna e di teatro fatto fuori dai teatri.

Teatro da mangiare? è stato concepito in una cucina, la cucina della nostra casa delle Ariette. Noi facevamo le tagliatelle e intanto parlavamo con Armando Punzo e Cinzia de Felice che si erano fermati a dormire a casa nostra dopo lo spettacolo della sera prima. 

Teatro da mangiare? ha debuttato a Volterrateatro il 18 luglio 2000 e in questi anni si è comportato come un vero e proprio organismo vivente crescendo, maturando e arricchendosi dell’esperienza di oltre 1300 repliche in giro per l’Italia e l’Europa.

Da allora tante cose sono cambiate nella nostra vita, ma la forza contagiosa di questo “autoritratto”, di questa pubblica confessione autobiografica, continua a sorprenderci.

Siamo indubbiamente noi gli autori-artefici di questo spettacolo, ma c’è qualcosa che ci sorpassa, che lo rende autonomo, libero, di tutti e di nessuno.

Attorno al grande tavolo dove ci ritroviamo, attori e spettatori, a condividere il tempo di un pranzo o di una cena, succede qualcosa che non siamo in grado di spiegare. Si compie un rito così profondamente umano da catapultarci nel cuore del nostro presente, nell’attimo assoluto del “qui e ora”, senza mediazione, nell’evidente e disarmante verità delle nostre vite.

L’evento rientra all’interno del cartellone della 100° Festa dell’Ospitalità del Comune di Bertinoro, la cui programmazione artistica è curata da Roberto De Lellis.

Rito sonoro di e con Mariangela Gualtieri
con la guida di Cesare Ronconi
Una produzione Teatro Valdoca

In questo atteso appuntamento, l’anteprima di Entroterre Festival si intreccia alle celebrazioni per il centenario della Festa dell’Ospitalità, dando vita a un rito sonoro che scaturisce dall’immersione profonda di Mariangela Gualtieri e Cesare Ronconi nel paesaggio naturale. Le parole portate in scena sembrano dettate direttamente dal bosco, muovendosi tra gioia e spavento, eros ed enigma, per offrire allo spettatore un’occasione preziosa di sosta davanti allo splendore del vivente e al suo mistero.

Abito da più di vent’anni in una campagna incolta. Sotto casa c’è un bosco nel quale mi addentro ogni volta che posso. Mi sono accorta che questo paesaggio ha cambiato i miei pensieri, è entrato dentro il respiro e nel cuore, e in modo inspiegabile mi ha portato a scrivere tante poesie, forse nel tentativo sbalordito di avvicinarmi a questo Naturale sconosciuto, a questo tutto nato, tutto vivente e brulicante. Questo paesaggio è per me fonte di gioia quotidiana e anche di spavento, a volte, col suo buio popolato, con la sua violenza che schianta, col suo eros traboccante. Ogni parola di questo mio rito sonoro posso pensarla come dettata da qualcosa che credevo di conoscere e che invece rinnova in me e attorno a me il suo enigma, lasciandomi così spesso a bocca aperta.
M.G.

L’evento rientra all’interno del cartellone della 100° Festa dell’Ospitalità del Comune di Bertinoro, la cui programmazione artistica è curata da Roberto De Lellis.

con
Davide Savarese Batteria e percussioni
Marco Santoro Fagotto e tromba

Il ritorno live di Daniele Silvestri porta con sé, ancora una volta, il segno di un’identità artistica che ha sempre fatto del concerto un luogo di sperimentazione e racconto. Nel corso degli anni, i suoi spettacoli si sono distinti per la capacità di cambiare forma e prospettiva pur restando fedeli a un’idea precisa di musica dal vivo, in continuo dialogo con il pubblico. 

“Canzoni a sdraio”, che è anche il titolo di un nuovo progetto discografico in uscita a breve, si inserisce in questo percorso. Sul palco Silvestri si divide tra pianoforte e chitarre, guidando un trio ricco di sfumature. Con lui Davide Savarese alla batteria e alle percussioni, e Marco Santoro, capace di passare con naturalezza dal fagotto alla tromba.

Un tour intimo e inaspettato, dove il repertorio si trasforma attraverso arrangiamenti che giocano sulla contaminazione e sulla libertà espressiva. Le canzoni si muovono tra atmosfere diverse, cambiano pelle, seguendo un flusso musicale che non cerca mai la prevedibilità.

Apre il concerto Alessio Alì, giovane cantautore calabrese con il suo nuovo doppio singolo Bianca / Gioco di ruolo.
Da una parte la cura, l’affetto, il desiderio di proteggere qualcuno senza possederlo; dall’altra la stanchezza di una relazione che continua per inerzia, dentro dinamiche ormai conosciute, quasi assegnate, in cui ognuno porta avanti il proprio ruolo senza riuscire davvero a cambiare posizione.